LINEA DEL TIEMPO EN El SIGLO XX

CARACTERÍSTICAS DE LA MÚSICA DEL SIGLO XX

·        - Rebelión contra la armonía.

           - Liberación de las funciones armónicas.

·        - Ruptura de las cadenas propias de la armonía tradicional (nuevas técnicas de composición).

·        - Los tonos mayores y menores fueron abandonados.

        ESTILOS DE MÚSICA DEL SIGLO XX    

EXPRESIONISMO (ATONALISMO)

·         Atonalismo libre: lenguaje musical no organizado, uso del cromatismo, suprime las cadenas y valora la disonancia

·         Dodecafonismo: es una serie de 12 sonidos de la escala cromática, puestos al azar, sin repetir ninguna nota mientras no termine la serie.

·         "Príncipe" del Expresionismo: Schoenberg.

IMPRESIONISMO

·         Ponen en crisis el sistema tonal, se valora el timbre y se rompe con la armonía tonal. Representados por Claude Debussy y Maurice Ravel.

MÚSICA ALEATORIA

·         Es música que nunca suena igual cada vez que se vuelve a interpretar. Está presente el azar como parte de la interpretación.

·         Consiste en dejar parte de la obra para la improvisación del intérprete. Se combina con elementos como palmadas, gritos y ruidos de la calle

·         Principal exponente: John Cage, el cual crea el piano preparado (coloca

encima de las cuerdas objetos para cambiar los sonidos).

 POST-ROMANTICISMO

·         Nace a partir del siglo XIX.

·         Se aferran a la aventura, soledad, e incluso a un odio hacia si mismos.

·         Existe una revelación contra los burgueses, nace el espíritu de rebeldía y libertad. Rechazan los valores de la sociedad.

                                                                                                   NACIONALISMO

·         Nace a mediados del siglo XIX como una reacción al dominio de la música romántica alemana.

·         Esta basada en danzas medievales.

·         Uso de material propio de regiones o naciones. La música folclórica vendría siendo un claro ejemplo.

MÚSICA ELECTROACÚSTICA Y CONCRETA

·         Se basa en el desarrollo tecnológico de la música (ampliación de la tesitura y potencia sonora, nuevas técnicas de interpretación).

·         Son sonidos grabados de instrumentos convencionales o ruidos de la calle que luego son manipulados y reproducidos por medio de aparatos electroacústicos.

·         El compositor puede manipular el sonido.

·         Utiliza sonidos del ambiente.

·         Representantes: Pierre Boulez y Karlheinz Stockhausen.

MÚSICA FUSIÓN

·         Combina elementos de 2 o más estilos musicales.

·         Comenzó en los años '70 con los experimentos jazzísticos de Miles Davis.

·         Busca originalidad a través de la dicotomía y produce nuevos caracteres musicales.

·         Sus creadores tienen en común la investigación instrumental y el deseo de reivindicar la tradición musical de los 2 pueblos del mundo.

·         Los estilos de este tipo de música son interminables.

 MINIMALISMO

·         Música que funciona a partir de materiales limitados o mínimos.

·         Búsqueda de nuevos sonidos.

·         Utilización de instrumentos electrónicos.

·         Obras que usan algunas notas o palabras como también instrumentos muy limitados u objetos de uso cotidiano (vasos, ruedas, etc.), ruidos de la naturaleza (ríos, cursos del agua), y ruidos electrónicos por largo tiempo.

·         Aparecen aparatos generadores de sonido como el sintetizador.

·         Se controla con mayor precisión los parámetros del sonido al poder crear nuevos sonidos.

·         Compositores: Steve Reich, John Adams y Phillip Glass.

Para más información visita: http://www.monografias.com/trabajos60/musica-siglo-xx/musica-siglo-xx2.shtml

Música contemporánea:primera mitad del siglo XX 1900 a 1940

Música contemporánea:primera mitad del siglo XX 1900 a 1940.



El origen de la música contemporánea se encuentra en los movimientos nacionalistas que surgieron durante el Romanticismo tardío que desembarcaron en tendencias como el Impresionismo y expresionismo.

IMPRESIONISMO.

Impresionismo es la denominación de un movimiento artístico definido inicialmente para la pintura impresionista, a partir del comentario
despectivo de un crítico de arte (Louis Leroy) ante el cuadro Impresión, sol
naciente de Claude Monet, generalizable a otros expuestos en el salón de
artistas independientes de París entre el 15 de abril y el 15 de mayo de 1874
(un grupo en el que estaban Camille Pissarro, Edgar Degas, Pierre-Auguste
Renoir, Paul Cezanne, Alfred Sisley y Berthe Morisot). Aunque el adjetivo
"impresionista" se ha aplicado para etiquetar productos de otras
artes, como la música (impresionismo musical -Debussy-) y la literatura
(literatura del Impresionismo -hermanos Goncourt-) sus particulares rasgos
definitorios (luz, color, pincelada, plenairismo) lo hacen de muy difícil
extensión, incluso para otras artes plásticas como la escultura (Rodin) y
la arquitectura, de tal modo que suele decirse que el Impresionismo en sentido
estricto sólo puede darse en pintura y quizá en fotografía (pictorialismo) y
cine (cine impresionista francés o première avant-garde: Abel Gance, Jean
Renoir -hijo del pintor impresionista Auguste Renoir-)

El movimiento plástico impresionista se desarrolló a partir
de la segunda mitad del siglo XIX en Europa —principalmente en Francia—
caracterizado, a grandes rasgos, por el intento de plasmar la luz (la
«impresión» visual) y el instante, sin reparar en la identidad de aquello que
la proyectaba. Es decir, si sus antecesores pintaban formas con identidad, los
impresionistas pintaban el momento de luz, más allá de las formas que subyacen
bajo este. Fue clave para el desarrollo del arte posterior, a través del
postimpresionismo y las vanguardias.

Esta corriente ve al mundo desde la contemplación ,se admiten influencias de distintas culturas.

El impresionismo importa no solo escalas ,ritmos o instrumentos de otras culturas sino que rebusca en los origines occidentales mas profundos en los modos griegos inventando procedimientos como por ejemplo la escala de tonos enteros.

EXPRESINISMO.

El Expresionismo es una corriente artística que busca la
expresión de los sentimientos y las emociones del autor más que la
representación de la realidad objetiva.

Revela el lado pesimista de la vida generado por las
circunstancias históricas del momento. La cara oculta de la modernización, la
alineación, el aislamiento, la masificación, se hizo patente en las grandes
ciudades y los artistas, creyeron que debían captar los sentimientos más
íntimos del ser humano. La angustia existencial es el principal motor de su
estética.

El fin es potenciar el impacto emocional del espectador distorsionando
y exagerando los temas. Representan las emociones sin preocuparse de la
realidad externa, sino de la naturaleza interna y de las impresiones que
despierta en el observador. La fuerza psicológica y expresiva se plasma a
través de los colores fuertes y puros, las formas retorcidas y la composición
agresiva. No importa ni la luz ni la perspectiva, que se altera
intencionadamente.

La obra de arte expresionista presenta una escena dramática,
una tragedia interior. De aquí que los personajes que aparecen más que seres
humanos concretos reproduzcan tipos. El primitivismo de las esculturas y
máscaras de África y Oceanía también supuso para los artistas una gran fuente
de inspiración.

CONTEXTO

El siglo XX fue una época de cambios en todos los aspectos como político,económico,social y artístico.Los aspectos históricos mas influyentes e importantes de este siglo fueron : la primera guerra mundial,la revolución rusa y la segunda guerra mundial.

Las corrientes mas destacadas

Impresionismo:Claudio Aquiles Debussy y Mauricio Ravel

Neoclasisimo:Igor Stravinsky y Mauricio Ravel

Neorromanticismo:Ricardo Straussm,Sergio Rachmannov y Juan Sbelius

Neobarroquismo:Paul Hindemiht

Neoimpresionismo.Oliver Messiaen

Atonalismo: Arnold Schoenberg 

Dodecafonismo;Arnold Schoenberg y Alban Berg

Claude Debussy

(Claude Achille Debussy; St. Germain-en-Laye, 1862 - París, 1918) Compositor francés. Iniciador y máximo representante del llamado impresionismo musical, sus innovaciones armónicas abrieron el camino a las nuevas tendencias musicales del siglo XX.

Ya en su niñez había iniciado el estudio del plano en su hogar; sin embargo, no pensaba entonces en la carrera musical. Fue una antigua discípula de Chopin, la señora Manté de Fleurville, quien intuyó la vocación del muchacho e indujo a sus familiares a cultivarla. De esta forma, Debussy ingresó en 1873 en el Conservatorio de París; allí tuvo por maestros, entre otros, a Lavignac, a Marmontel y, en composición, a Ernest Guiraud.

Claude Debussy

Grato paréntesis en sus estudios fue, en el verano de 1880, su empleo de acompañante como pianista de cámara y profesor de piano de los hijos de una rica dama rusa, Nadesda von Meck, protectora de Chaikovski y fanática de su música, en sus viajes a través de la Francia meridional, Suiza e Italia. Esto le permitió conocer a Wagner. Debussy vio renovado el empleo en los veranos siguientes, posiblemente hasta 1884, y entonces visitó Moscú, donde pudo establecer cierto contacto con la música del "grupo de los Cinco".

En el Conservatorio había adquirido fama de músico revolucionario; sin embargo, en 1884 logró el "Prix de Rome" con la cantata El hijo pródigo, que presenta al joven compositor aún envuelto en la amable sensualidad melódica propia del gusto de Massenet, pero también capaz de esbozar un aria perfecta en su género, como la de Lía. Los tres años pasados en Villa Médicis resultaron enojosos para el joven Debussy, que no sentía inclinación alguna por el clasicismo romano y con gran amargura echaba de menos París y su vida intelectual, inquieta y moderna.

De Roma se trajo la cantata La Demoiselle élue (1887-88, La damisela bienaventurada), sobre un texto de D. G. Rossetti y de un gusto prerafaelista muy propio de la época; todavía arrastrado por un sentimentalismo hijo del siglo XIX, y musicalmente situado entre Massenet y Chaikovski, Debussy buscaba a tientas la salida hacia una nueva concepción artística y cayó, como era natural, en el wagnerismo. Más bien que de experiencias musicales (entre ellas contaron singularmente las llevadas a cabo en Rusia y el descubrimiento del canto gregoriano y de melodías exóticas africanas y javanesas, presentadas en la Exposición Universal de París), la liberación le vino de literatos y pintores: la amistad de poetas simbolistas y parnasianos, dominados por la figura de Mallarmé, y el ejemplo de renovación de la pintura impresionista fueron las fuerzas determinantes que impulsaron al compositor hacia un camino artístico original.

Las obras líricas para canto y piano son las composiciones que permiten seguir mejor la evolución lógica del artista desde un formalismo melódico de gusto un tanto aburguesado hasta la creación de una prosa poética intensamente evocadora; así, Arietas olvidadas (1888), Cinco poemas de Baudelaire (1890), Fêtes galantes(1892 y 1904), Prosas líricas (1893) y Tres canciones de Bilitis (1898). De tal forma se forjó el nuevo lenguaje musical y dramático que le permitió aportar una solución personal al problema de la ópera con Pelléas et Mélisande, sobre texto de M. Maeterlinck y representada en la Opéra-Comique el 30 de abril de 1902 (su composición había durado diez años); el éxito fue muy discutido y sólo con gran lentitud la ópera llegó a conquistar el puesto que le correspondía en la historia de la música, como etapa básica en el desarrollo del teatro musical.

Maurice Ravel

(Ciboure, Francia, 1875-París, 1937) Compositor francés. Junto a Debussy, con quien se le suele relacionar habitualmente, es el gran representante de la moderna escuela musical francesa. Conocido universalmente por el Bolero, su catálogo, aunque no muy extenso, incluye una serie de obras hasta cierto punto poco conocidas que hablan de un autor complejo, casi misterioso, que evitaba cualquier tipo de confesión en su música. Un autor que concebía su arte como un precioso artificio, un recinto mágico y ficticio alejado de la realidad y las preocupaciones cotidianas. Stravinsky lo definió con acierto como «el más perfecto relojero de todos los compositores», y así hay que ver su música: como la obra de un artesano obsesionado por la perfección formal y técnica de su creación.

Maurice Ravel

Nacido en el País Vasco francés, heredó de su padre, ingeniero suizo, su afición por los artilugios mecánicos -cuyos ecos no son difíciles de encontrar en su música- y de su madre, de origen vasco, su atracción por España, fuente de inspiración de muchas de sus páginas. Aunque inició sus estudios musicales a una edad relativamente tardía, cuando contaba siete años, siete más tarde, en 1889, fue admitido en el Conservatorio de París, donde recibió las enseñanzas, entre otros, deGabriel Fauré.

Discreto pianista, su interés se centró pronto en la composición, campo en el que dio muestras de una gran originalidad desde sus primeros trabajos, como la célebrePavana para una infanta difunta, si bien en ellos es todavía perceptible la huella de su maestro Fauré y de músicos como Chabrier y Satie. La audición del Prélude à l'après-midi d'un faune, de Debussy, marcó sus composiciones inmediatamente posteriores, como el ciclo de poemas Schéhérazade, aunque pronto se apartó de influencias ajenas y encontró su propia vía de expresión.

En 1901 se presentó al Gran Premio de Roma, cuya obtención era garantía de la consagración oficial del ganador. Logró el segundo premio con una cantata tituladaMyrrha, escrita en un estilo que buscaba adaptarse a los gustos conservadores del jurado y que para nada se correspondía con el que Ravel exploraba en obras como la pianística Jeux d'eau, en la que arrancaba del registro agudo del piano nuevas sonoridades. Participó otras tres veces, en 1902, 1903 y 1905, sin conseguir nunca el preciado galardón. La última de ellas, en la que fue eliminado en las pruebas previas, provocó un escándalo en la prensa que incluso le costó el cargo al director del Conservatorio.

Sin necesidad de confirmación oficial alguna, Ravel era ya entonces un músico conocido y apreciado, sobre todo gracias a su capacidad única para tratar el color instrumental, el timbre. Una cualidad ésta que se aprecia de manera especial en su producción destinada a la orquesta, como su Rapsodia española, La valse o su paradigmático Bolero, un auténtico ejercicio de virtuosismo orquestal cuyo interés reside en la forma en que Ravel combina los diferentes instrumentos, desde el sutil pianissimo del inicio hasta el fortissimo final. Su música de cámara y la escrita para el piano participa también de estas características.

Hay que señalar, empero, que esta faceta, aun siendo la más difundida, no es la única de este compositor. Personaje complejo, en él convivían dos tendencias contrapuestas y complementarias: el placer hedonista por el color instrumental y una marcada tendencia hacia la austeridad que tenía su reflejo más elocuente en su propia vida, que siempre se desarrolló en soledad, al margen de toda manifestación social, dedicado por entero a la composición. Sus dos conciertos para piano y orquesta, sombrío el primero en re menor, luminoso y extrovertido el segundo en Sol mayor, ejemplifican a la perfección este carácter dual de su personalidad.

Arnold Schönberg

(Arnold Schoenberg o Schönberg; Viena, 1874 - Los Ángeles, 1951) Compositor y pintor austríaco, nacionalizado estadounidense. Su vida y su obra se vieron siempre rodeadas de polémica. Compositor y pedagogo -sus alumnos Alban Berg y Anton von Webern ocupan un lugar de privilegio en la historia de la música- , fue una figura capital en la evolución de la música durante el siglo XX, aunque chocó con la incomprensión del público y la crítica de su época, poco dispuestos a aceptar la ruptura con el sistema tonal que su obra representaba.

Sin embargo, es importante señalar que Schönberg nunca se consideró a sí mismo como un revolucionario, sino más bien como un eslabón más en una tradición musical que se remonta hasta Bach. El dodecafonismo, en este sentido, más que el fin de la tonalidad, suponía el intento de sistematización de un nuevo método que permitiera superar sus contradicciones.

Arnold Schönberg

Hijo de una familia de origen judío, Schönberg se inició en la música de forma autodidacta. Las únicas lecciones que recibió en su vida se las dio el compositor Alexander von Zemlinsky, quien en 1901 se convirtió en su cuñado. Su impecable técnica fue fruto de una innegable capacidad innata y del estudio constante de la obra de los grandes maestros de la tradición germánica, desde Bach hasta Mahler, músico éste con el que mantuvo un estrecho contacto, no exento, por cierto, de tensiones.

De 1899 data su primera obra maestra, el sexteto de cuerda Noche transfigurada, acabada expresión de la estética posromántica de moda entonces. Pronto, sin embargo, su propia evolución le condujo a la conclusión de que el tradicional sistema armónico tonal se sustentaba sobre una falacia: desde el Tristán e Isoldawagneriano, los principios que definían el concepto de tonalidad se hallaban en crisis, ya que la generalidad de compositores empleaba una armonía en la que la disonancia, la excepción a la regla, no encontraba una resolución inmediata.

Schönberg se propuso entonces buscar un sistema en el que la disonancia quedara emancipada, de modo que todas las notas tuvieran idéntico valor, sin estar sometidas a un centro tonal. La Sinfonía de cámara núm. 1 y el Cuarteto de cuerda núm. 2 inician el camino hacia lo que se ha dado en llamar la etapa expresionista, o atonal, del maestro. Los monodramas Erwartung y La mano feliz, las Cinco piezas para orquesta y el ciclo de veintiún «melodramas» Pierrot lunaire son las obras más representativas de este período, durante el cual el músico llevó a cabo también una importante labor pictórica, junto a la música, su otra gran afición.

El escándalo suscitado en el estreno de la última partitura mencionada, en Berlín en 1912, fue uno de los mayores que se recuerdan en los anales de la música contemporánea. No por ello Schönberg cejó en sus investigaciones: su preocupación por hallar una técnica que ofreciera suficientes garantías de organización interna y libertad creativa y que, al mismo tiempo, superara las limitaciones de la atonalidad, le llevó a la promulgación del «método de composición con doce sonidos», por primera vez en 1923 en la quinta de las Cinco piezas para piano Op. 23 y, en 1924 y de manera definitiva, en la Suite para piano Op. 25.

Con este sistema, el músico compuso algunas de sus obras más importantes, como las Variaciones para orquesta, la ópera cómica en un acto De hoy a mañana o la bíblica Moisés y Aarón, sin lugar a dudas una de sus partituras más ambiciosas, que quedó inconclusa a su muerte.

La ascensión de Hitler al poder en 1933 privó a Schönberg de su cargo como profesor en la Academia Prusiana de las Artes de Berlín, a cuya plantilla pertenecía desde 1925, y, además, le obligó, por su doble condición de judío y compositor «moderno», a tomar el camino del exilio. Estados Unidos fue su destino. Fijada su residencia en Los Ángeles, allí continuó con su actividad docente hasta prácticamente el fin de sus días.

LINEA DEL TIEMPO

Música Contemporánea 2da parte 1910-actualidad

Con ésta última parte podemos concluir lo más relevante de la música, el tema de la música contemporánea es bastante extenso, así que decidimos ponerlo en dos partes.

El siglo XX estuvo marcado por dos grandes acontecimientos que fueron muy decisivos en la historia de la música occidental, y marcaron el avance posterior que seguirá la música hasta llegar a nuestros días. El primero es el abandono de la tonalidad y la total ruptura de las formas y técnicas que se venían haciendo desde los principios de la era barroca a partir de 1910, en concordia con las otras rupturas totales de las otras ramas de las artes.A partir de ahí, la música occidental se vuelve muy experimental y los compositores se empeñan en hallar nuevos caminos tanto en las formas, los instrumentos, los colores, la tonalidad, el ritmo para hacer una música totalmente nueva y alejada del período de la práctica común de los últimos trescientos años.

El segundo gran fenómeno es el auge y masificación de un tipo de música que se desarrolló en las ciudades durante el siglo anterior en contacto con las dos grandes ramas en que se dividía hasta ese momento la música (la étnica y la académica): la música popular. Este tipo de música, consumida por la creciente clase media urbana, experimentará un gran desarrollo gracias a la posibilidad de grabar sonido mediante las nuevas tecnologías de principios del siglo XX (lo que dará lugar a la industria del disco) y la aparición de medios de comunicación de masas como la radio y el cine sonoro. El efecto de la música popular y la industria musical que se desarrolla en torno a ella cambiarán drásticamente los hábitos musicales que estaban presentes desde la Edad Media.

El modernismo y el contemporáneo tienen muchísimos subtemas con los respectivos géneros actuales, como el jazz, música electrónica, neoclásico, etcétera.

Fuentes: Wiki

Música contemporánea 1era parte

MUSICA CONTEMPOREANEA PRIMERA PARTE.

CONTEXTO HISTÓRICO: 

 El siglo XX es un
periodo de cambios acelerados. El desarrollo de las comunicaciones y de las
tecnologías van a influir en gran medida durante el transcurso de este periodo.
Sin embargo, los problemas socioeconómicos y políticos derivados de la
Revolución Industrial culminan a principios de siglo con la Primera Guerra
Mundial (1914-1918) y la Revolución Rusa (1917) y más tarde con la Segunda
Guerra Mundial (1939-1945). Estos hechos sacuden hasta lo más íntimo las
conciencias de la población. El panorama europeo es desolador ya que las guerras
trajeron millones de muertos y muchas personas se vieron obligadas a abandonar
sus países.

 Sin
embargo, nada más terminar 2º Guerra Mundial se inicia una reconstrucción que
abarcará todos los ámbitos: político, económico, social, ético y, por supuesto,
artístico. El auge de la tecnología, los medios de transporte y las
telecomunicaciones convierten a nuestro planeta en una aldea global que conoce
casi con total inmediatez lo que ocurre en el mundo entero.


CONTEXTO CULTURAL: 

 El siglo XX es un
periodo en el que los cambios y las novedades en el mundo del arte se van a dar
con gran velocidad. Nunca antes, en la historia se había visto proliferar tal
cantidad de escuelas, movimientos y novedades
como ahora. Los cambios y las tendencias se suceden de forma acelerada.
Estamos ante una época de replanteamiento estético y formal del arte. Todos los
movimientos que surjan tendrán un nexo común: el deseo de ruptura con el
pasado.

 El contacto de la
sociedad europea con culturas lejanas, propiciado por el avance de las
comunicaciones y las exposiciones universales aportará nuevos horizontes a la
creación artística. Desde finales del siglo XIX la pintura asume un liderazgo
indiscutible en el terreno artístico, ya que encabezará todos los cambios y vanguardias
que vayan surgiendo en el transcurso del siglo XX.

CONTEXTO MUSICAL:

 El mundo de la música
también se verá influido por ese cambio social y cultural. La música, cuyos
recursos tradicionales habían sido explotados hasta la saciedad por los autores
románticos, busca abrirse nuevos caminos y romper con el pasado. Gran cantidad
de estilos vanguardistas musicales se irán yuxtaponiendo en el transcurso del
siglo en busca de la novedad y la experimentación, a través de un cambio
estético que dará lugar a las composiciones más variopintas. 

 La aparición de
nuevos géneros como el jazz o el rock y sus derivados arrebatará a la música
culta el protagonismo, casi exclusivo, del que había gozado durante siglos.
Poco a poco se irá convirtiendo en una música de minorías, ajena al éxito y a
los intereses comerciales. En la segunda mitad de siglo, la llegada de la
tecnología alterará la forma de componer e interpretar la música. Por primera
vez en la historia los medios electrónicos e informáticos tendrán una función
importante dentro del fenómeno musical.

Características

• La pérdida de unidad estilística y técnica se hace
evidente ya que no hay un lenguaje y un tipo de expresión únicos, sino una
pluralidad de movimientos. Cada compositor busca su propio lenguaje musical
para expresarse.

• La ruptura con el pasado se manifiesta en el progresivo
abandono del lenguaje tonal, que parece haber llegado a su fin. El ritmo
adquiere gran protagonismo.

• Búsqueda de la novedad, ninguna obra puede parecerse a
otra y para ello hay que experimentar con todo lo que se tenga a mano.
Cualquier objeto puede ser capaz de producir música.

• El compositor no busca la belleza de melodías, sino llamar
la atención del oyente, por lo tanto nos encontraremos ante piezas extrañas que
no tienen nada que ver con la música que se había realizado hasta entonces.

• En algunas corrientes, sobre todo en la 2º mitad de siglo,
el compositor acompaña su obra con textos explicativos propios para que la obra
se pueda interpretar y entender, ya que a menudo se usan sistemas de notación
no convencionales. Además, en esta época, entrarán en juego los avances
electrónicos e informático.

MOVIMIENTOS PRIMERA MITAD DEL SIGLO.

-Impresionismo

-Expresionismo

-Atonalismo

-Dodecafonismo

-Futurismo

-Neoclasicismo

MOVIMIENTOS SEGUNDA MITAD DEL SIGLO

-Serialismo integral

-Música concreta

-Música electrónica

-Música Aleatoria

NUEVAS TENDENCIAS

-Minimalismo

-Nuevo romanticismo

COMPOSITORES.
Berg Alban

1885-1935 Alemania  Uno de los compositores más destacados del la

escuela del dodecafonismo, alumno junto a Anton Webern de las enseñanzas de
Arnold Schoenberg en el experimento atonal. Nació en Austria en el seno de una
familia de clase media y fue testigo del sentimiento de fin de siglo en la
antigua capital del Imperio austrohúngaro.

Su vocación musical fue algo tardía. Tenía ya 19 años cuando

conoció a Schoenberg, momento a partir del cual se dedicaría exclusivamente a
la creación sonora. En 1913 estrenó la primera de sus composiciones más
innovadoras. Al principio, sus obras (como otras de sus propios profesores y
compañeros) fueron mal recibidas, aunque el paso de los años ha hecho que
fueran muy apreciadas. Desgraciadamente, murió antes de poder disfrutar del
reconocimiento público que se merecía.

    PRINCIPALES OBRAS:

• Cinco canciones de Altenberg Op. 4 - 1913

• Tres piezas orquestales Op.6 - 1915

• Wozzeck (ópera)-1923

• Suite lírica (para cuarteto de cuerda) - 1926

• Lulu (ópera) - 1934

• Concierto para violín - 1935

Debussy, Claude

1862 -1918 Francia

Compositor francés que puso en marcha un nuevo concepto de la música, liberada de ciertas ataduras de la tonalidad. Su obra tiene tintes modernistas, simbolistas e influencias étnicas, en auge a finales del siglo pasado, aunque su obra suele unirse a la corriente del Impresionismo. Para él no se trata de transcribir la naturaleza por medio de la música, sino de evocarla.

Era hijo de un tendero bastante pobre, que tuvo que confiar la educación de su hijo a una tía, quien consiguió que una alumna de Chopin (a quien Debussy dedicaría sus Preludios) le diese clases de música. Este autor influiría en su estilo, junto con Schumann, Wagner, Satie, Couperin y Rameau, entre otros.

Debussy ejerció así mismo una influencia decisiva en su época y en las etapas posteriores, desde Ravel a los músicos más importantes del siglo XX.

 PRINCIPALES OBRAS:

• El hijo pródigo (cantata) - 1884

• Cuarteto en sol menor - 1893

• Preludio a la siesta de un fauno - 1894

• Pelleas et Melissande (ópera) - 1902

• El mar - 1905

• Rapsodia para saxo y orquesta - 1911

• El martirio de San Sebastián - 1911

• Doce preludios - 1912

• Sonata para viola, arpa y flauta - 1913

• Doce estudios - 1915

Honneger, Arthur

1892-1955 Suiza-Francia

 Aunque nació en Francia y residió siempre en París, este compositor se consideraba suizo, nacionalidad que poseía por sus padres, que eran unos comerciantes procedentes de Zurich. Estudió con el organista de El Havre y luego en el conservatorio de París, donde estudia con D'Indy y tiene como compañero de estudios a Milhaud.

Junto a él y otros cuatro compositores jóvenes, se darían a conocer como "El grupo de los seis", muy unidos a los conceptos estéticos de Jean Cocteau. Durante la ocupación nazi se recluyó en su estudio, escribiendo música y actuando para la resistencia. Coqueteó con varios estilos, desde el politonalismo hasta el drama musical wagneriano, y cuando encontró el suyo, su vigor rítmico, armonías disonantes y lirismo le diferenciaron de las posturas estéticas de sus contemporáneos.  Cocteau dijo que su música era similar a la artesanía de las catedrales y fábricas, alternando el mundo de las máquinas y la arquitectura gótica.

  PRINCIPALES OBRAS:

• El rey David (oratorio) - 1921

• Horacio victorioso (sinfonía mímica) - 1921

• Pacific 231 – 1920

• Concertino (piano) - 1924

• Judith (drama bíblico) - 1925

• Antígona (tragedia musical) - 1927

• Concierto para violonchelo y orquesta - 1929

• Primera sinfonía - 1930

 Messiaen, Oliver

1908-1992 Francia

Compositor y organista francés de profundas creencias cristianas y vocación pedagógica, además de ornitólogo aficionado. En su música, tal y como explica él mismo en su libro Técnica de mi lenguaje musical, se entremezclan la fe cristiana, los ritos de los cantos devocionales, hindúes y el piar de los pájaros.

 Estudió en el mismo conservatorio de París donde enseñaría más tarde armonía, análisis y composición a la nueva generación de compositores de posguerra, incluidos Stockhausen, Boulez y Xenakis. Se le suele asociar al grupo denominado en 1936 "La jeune france" y que comprendía, a parte de a Messiaen, a Jolivet, Daniel-Lesur y Baudrier, y que pretendía una vuelta al humanismo universal y espiritual en la música. Messiaen evolucionó desde un estilo heredero de Debussy a las técnicas del serialismo integral, para acabar imponiendo un sello personal en sus obras.

PRINCIPALES OBRAS:

• La Ascensión - 1933

• Cuarteto para el Fin de los Tiempos - 1940

• Tres pequeñas liturgias de la Presencia Divina - 1944

• Veinte miradas sobre el Niño Jesús - 1945

• Sinfonía Turangalida - 1948

• Modos de valores e intensidades - 1950

• Timbres-Duraciones - 1952

• Primer catálogo de pájaros - 1957

• San Francisco de Asís (ópera) - 1983

• La Ville en Haut - 1987

 Ravel, Maurice

1875-1937 Francia

Compositor francés en el que es importante la influencia española que deja patente en piezas como la "Rapsodia española", "La hora española" y, especialmente, en su inmortal y popularísimo "Bolero". Fue objeto de polémica por sus reiterados intentos de hacerse con el Prix de Rome y luego por plagiar supuestamente a Debussy en "Historias naturales". Pero su intelectualismo era opuesto a la sensualidad de aquél.

Su primer maestro de música fue Ghys y después Charles-René, mientras que en el Conservatorio estudió con Fauré y junto al pianista español Ricardo Viñes. Al principio de su carrera estaba influido por Satie, pero pronto hallaría un estilo propio, aunque coincidiendo con otros compositores en la llamada Sociedad de los apaches, símbolo de la desobediencia artística, junto a Viñes, Délage, Schmitt, Roger-Ducasse, Falla y Stravinski.

PRINCIPALES OBRAS:

• Pavana para una infanta difunta - 1899

• La hora española - 1907

• Mi madre la oca - 1908

• Daphnis et Chloé  - 1912

• La tumba de Couperin - 1918

• La Valse - 1920

• El niño y los sortilegios - 1925

• Bolero - 1928

• Concierto para la mano izquierda - 1931

Satie, Erik

1866-1925 Francia

Compositor y pianista de cabaret francés, impulsor de un anti-impresionismo similar al que Cocteau encabeza en la literatura. Su estilo, cercano a los posteriores grupos de Los Seis y a la escuela de Arcueil, goza últimamente de gran estima entre los compositores minimalistas contemporáneos. Ya en los últimos años del siglo XIX, Satie utilizaba acordes sin resolución armónica y modismos de textura extremadamente sencilla y primitiva.

Sus estudios los realiza con Niedermeyer y en el Conservatorio de París, para más tarde acudir a las clases de d'Indy y Roussel en la Schola Cantorum. Primero cultivó la amistad de Debussy, aunque más tarde se convierte en un símbolo de la oposición al estilo representado por éste y Ravel. Su vida transcurre en varios periodos, desde la música mística a la música de cabaret o la de sus años de gloria junto a Cocteau.

PRINCIPALES OBRAS:

• Trois Gymnopédies (piano) - 1888

• Trois Gnossiennes (piano) - 1890

• Vejaciones (piano) - 1893

• Misa de los pobres - 1895

• Embriones disecados (piano) - 1913

• Penúltimos pensamientos (piano) - 1915

• Parade (ballet) - 1917

• Sócrates (cantata) - 1919

• Relache (ballet) - 1924

Shöenberg, Arnold

1874-1951 Austria-EE.UU.

Compositor austríaco, inventor del dodecafonismo y maestro de compositores como Alban Berg y Anton von Webern, además de Krenek y Dallapiccola. Aunque recibió formación musical, decidió componer de forma autodidacta, completada luego con clases de contrapunto de Zemlinsky, con cuya hija se casaría más tarde.

Pasó de un estilo impregnado de postromanticismo (que llega de Mahler a través de Zemlinsky) a abogar por un atonalismo que adquiere forma definitiva en el método de composición dodecafónica en 1923, considerado uno de los principales elementos del expresionismo. Más tarde, en su exilio americano, se vería enfrentado a los conceptos neoclásicos del Stravinski tardío, ejerciendo una notable influencia además en las posteriores generaciones de compositores norteamericanos y de postguerra.

PRINCIPALES OBRAS:

• Noche transfigurada (orquesta de cuerdas) - 1899

• Sinfonía de cámara nº 1 - 1906

• La Espera (monodrama) - 1909

• Gurrelieder (para solistas, coro y orquesta) - 1911

• Pierrot Lunaire (melodrama con recitador y orquesta de cámara) - 1912

• Cinco piezas para piano - 1923

• Concierto para violín y orquesta - 1936

• Oda a Napoleón (recitador, piano y cuerdas) - 1942

• Tema y Variaciones (orquesta) - 1944

Stockhausen, Karlheinz

1928 Alemania

Compositor alemán contemporáneo, considerado uno de los abanderados del serialismo integral, la experimentación electrónica y la vanguardia cosmopolita. En sus obras ha hecho uso de múltiples técnicas compositivas, desde música concreta (grabaciones de objetos reales transformados electrónicamente) hasta sonidos sintéticos, polirritmos, múltiples tempos simultáneos, serialismo total, notación gráfica, improvisación controlada y otras técnicas aleatorias.

Tuvo una infancia marcada por la orfandad y luego por los estragos de la guerra, que le llevó a múltiples ocupaciones hasta poder consagrarse a la música. Aprendió a tocar el piano, el violín y el oboe. Estudió música con Neuhaus, Schroeder y Frank Martin, para luego hacerlo con Milhaud y Messiaen, y más tarde acusar la influencia de Webern. También ha desarrollado una carrera importante como pedagogo y director de su orquesta.

PRINCIPALES OBRAS:

• Kreuzspiel (cámara) - 1951

• Kontrapunkte (cámara) - 1953

• El canto de los adolescentes (electrónica) - 1956

• Gruppen (orquesta) - 1957

• Zyklus (percusión) - 1959

• Telemusik (electrónica) - 1966

• Stimmung (seis voces) - 1968

Stravinsky, Igor

1882-1971 Rusia

Compositor ruso, considerado una de las figuras más importantes de la música de principios de siglo XX. Su estilo evolucionó desde el folclorismo tradicionalista de sus primeras obras, al vanguardismo de sus ballets para Diaghilev, para después abordar la disonancia, la politonalidad y la poliritmia, seguir con el neoclasicismo de los años 30, e incluso coquetear con el serialismo al final de su vida.

Su padre era cantante solista de La Ópera de San Petersburgo, despertando la afición de su hijo por el género y la tradición musical rusa. Decidió abandonar la carrera de Derecho para estudiar composición con Rimski-Korsakov. En uno de sus estrenos, conoce a Diaghilev, con quien colaboraría en la creación de sus ballets en París, suscitando fuertes emociones y disputas entre el público. Más tarde destacaría también en otros géneros, desde la sinfonía a la ópera o a la música de cámara.

 PRINCIPALES OBRAS:

• El pájaro de fuego (suite de ballet) - 1910

• Petruchka (suite de ballet) - 1911

• La consagración de la primavera (suite de ballet) - 1913

• Las bodas - 1918

• Edipo rey (ópera oratorio) - 1927

• Sinfonía de los salmos - 1930

• Juego de naipes (suite de ballet) - 1936

• Ebony Concert - 1945

• In Memoriam Dylan Thomas - 1954

Webern, Anton Von

1883-1945 Austria

Compositor austríaco, seguidor de la escuela del dodecafonismo de Schoenberg y figura inspiradora del serialismo integral posterior a la Segunda Guerra Mundial. Su catálogo de obras es escaso, pero muy denso en planteamientos tonales. Su estilo es minimalista por el ahorro de elementos y la longitud reducida de sus obras, a veces, como en una de sus "Cinco piezas para orqeusta" Op. 10, de sólo siete compases y que dura 19 segundos.

Se trata de una música difícil de oír y no muy frecuentada en los repertorios. Hay incluso quienes ven en sus ideas musicales las semillas para lo que posteriormente sería la música electrónica. Sus obras suponen también un desafío para sus intérpretes, por la complejidad de su escritura melódica y rítmica. Junto con su maestro Schoenberg y su compañero Berg es considerado uno de los mejores ejemplos del estilo dodecafónico y fuente de inspiración de muchas vanguardias posteriores.

 PRINCIPALES OBRAS:

• Passacaglia para orquesta Op.1 - 1908

• Seis Bagatelas para cuarteto de arco Op.9 - 1913

• Cuatro canciones para acompañamiento de trace instrumentos Op.13 - 1918

• Cinco cánones para voz y dos clarinetes Op.16 - 1924

• Trío de cuerdas Op. 20 - 1927

• Sinfonía Op.21 - 1928

• Das Augenlich Op.26 (coro y orquesta) - 1935

• Variaciones para piano Op.27 - 1936

• Cuarteto de cuerdas Op.28 - 1938

• Variaciones para orquesta Op. 30 - 1940